Te sugerimos regalar en Navidad emociones sin fin

Nos hemos propuesto presentaros 5 galerías donde encontrarás el regalo perfecto sin pasarte de presupuesto. Más allá de las épocas propias como ésta en que los obsequios cobran protagonismo, queremos destacar la trascendencia de regalar arte.

Vale la pena perder el miedo a la adquisición irreversible del objeto artístico y la obra de arte.

Regalar arte significa ofrecer un producto exclusivo, con el que se generará una relación emocional. La obra de arte convive con nosotros y quien tiene obra en su casa bien sabe que nos ofrece lecturas diferentes a lo largo del tiempo, es para toda la vida.

Para el iniciado coleccionista cabe pensar que estamos comprando un lujo vacuo, sin embargo cada vez el consumo de arte está más democratizado y comenzando por un print firmado, un objeto de autor, una obra gráfica o una serigrafía podemos iniciar una colección en papel para pasar a adquirir dibujo o pintura, el caso es que las navidades son el momento ideal para iniciar ese camino.

Nosotros os animamos a adentraros en el mundo del coleccionismo, es accesible y está al alcance de todos, y es un camino que nos llevará a conocer, a ampliar nuestras visiones y disfrutar del arte desde otra perspectiva.

El arte es sentimiento, es vida, es una fiesta que habla de nuestro tiempo, y de todo lo que se condensa en la vida y obra del mismo artista, mucho por descubrir, mucho por disfrutar.

Y como hay tanto arte como personas os proponemos la mirada de 5 galerías que nos presentan a sus artistas.

ART DEAL PROJECT en Barcelona

Art Deal Project es una galería de arte contemporáneo con sede en Barcelona que quiere acercar al público proyectos artísticos de creadores emergentes unidos por su interés hacia el trabajo artístico más allá de la belleza.

Nos presentan las obras de su actual exposición: DATA SOUP de Varvara Guljajeva & Mar Canet que exploran la sociedad actual, guiada por los datos y la obsesión por la tecnología, y sus problemáticas.

Cada día, 2,5 Exabytes de datos son producidos por humanos y máquinas. El Internet libre y feliz de los noventa ha terminado. Nos encontramos delante de un mercado de datos orientado a los beneficios y a tener un control extremo de los individuos y las masas.

Data Shop es una instalación similar a una tienda, que especula con la idea de un comercio que vende y, al mismo tiempo, almacena datos personales.

Los artistas han añadido en memorias USB sus datos personales de Facebook, Google Takeout, Visa y Mastercard. Estas memorias, cuidadosamente enlatadas y etiquetadas, se ponen a disposición del público como productos reales.

A parte de la obra presente en la exposición actual, cuentan con una sección de tienda donde puedes adquirir obras de su coleccione de fondos, objetos de diseño y ediciones limitadas de libros. Podremos encontrar es su sección de tienda obras de Shinji Nagabe: Immersao.

Shinji Nagabe, brasileño de origen japonés, su herencia multicultural es la base de su trabajo, donde busca insertar cuestiones de identidad y costumbre. Trabaja imágenes aparentemente imaginarias que están al mismo tiempo impregnadas de realidad. Su trabajo busca cuestionar la relación humana en la sociedad y en su ambiente.

Fotoperiodista de formación, Shinji Nagabe crea imagenes que juegan entre el simbolismo y la realidad, mezclando los simbolos del candomblé africano con el carnaval brasileño bajo un formalismo tipicamente asiático.

El uso de objetos cotidianos, personas y colores vibrantes es lo que le permite hablar de una conexión entre lo espiritual y lo material, un discurso permeado de mezcla y misterio que pretende contar esa unión de mundos aparentemente distantes y que se unen en él.

Miguel Ángel Vigo, “El rostro de Fóbetor”. Dominar el hiperrealismo escultórico para mostrar aspectos subjetivos es uno de los rasgos definitorios del trabajo de Miguel Ángel Vigo. Su escultura es ruda y sutil, con unos acabados que demuestran su pericia sobre los materiales y las texturas. Una escultura que nos lleva a pensar en los nuevos materiales pero que están realizadas con yeso o piedra. Esculturas que además cuentan con un atrezzo propio que llega a plantearlas como instalaciones con ropa o mobiliario propios, creando escenas concretas con significados muy diversos.

Esta especificidad de la escultura se traslada a sus dibujos y pinturas, donde no pierde la importancia de la tridimensionalidad y el hiperrealismo revisitado en lápiz y color de manera sencilla pero acertada. La perfección sobre lo visto, o sobre lo intuido, le hace subrayar la importancia del sueño en su serie de Durmientes. Se ocupa del protagonismo de lo onírico desde prismas muy diversos, desde quien observa al durmiente como tal a quien imagina sus sueños e intenta adentrarse en su mente.

ESPACIO DÖRFFI en Lanzarote

Espacio Dörffi es un centro de arte de carácter privado, punto de encuentro para la exhibición y venta de arte contemporáneo cuyo objetivo es la búsqueda de conexiones con profesionales de las artes plásticas y visuales de diversas zonas geográficas, para enriquecer aún más el entramado artístico insular.

Espacio Dörffi no es una galería de arte, ya que no representa a artistas, sino que procura que sea un paraje donde confluyan expresiones, lenguajes y pensamientos.

Destacan para estas épocas a tres artistas. A Karina Beltrán con su obra “Leer la piel”.

El trabajo de Karina Beltrán podría situarse en la frontera, en el margen de las disciplinas, de la realidad. Formalmente, la obra se mueve de la figuración a la abstracción, de la fotografía al dibujo, mostrándose ambos, con bastante frecuencia, como instalaciones que trazan recorridos, adaptándose a cada espacio expositivo.

La artista crea, inventa un imaginario de los sentidos a través de la construcción de una poética. Poética de lo frágil, lo mínimo, lo indecible, lo efímero, configurada desde lo emocional. Durante una estancia en la isla de Lanzarote realizó esta serie de piezas inspiradas en la isla.

Luna Bengoechea con “It’s Alive”. Su obra se centra en las contradicciones del mercado global de alimentos y las problemáticas de la industria alimentaria moderna, principalmente en los nuevos métodos de producción y comercialización de alimentos y semillas.

Las piezas forman parte de una instalación de tomates, papayas, mazorcas de maíz y pepinos donde la artista exhibe y cuestiona el alimento producido en masa y modificado genéticamente.

Y Nicolás Laiz Placeres. “Ídolo de Tara” El trabajo de Nicolás Laiz Placeres consiste en la reflexión, a través de diferentes técnicas, de conceptos como el paisaje, el exotismo y la construcción de la naturaleza como concepto cultural, social y económico.

La idea de construcción cultural es central en su planteamiento artístico; una construcción consciente de sí misma donde el proceso se hace evidente y parte fundamental de la obra.

En sus proyectos puede adoptar, en función de sus necesidades, el punto de vista de un naturalista o de un historiador y así emplear conceptos estéticos del muralismo socialista mexicano como de la vanguardia constructivista rusa.

Cada uno de sus proyectos pretende ser un camino de investigación abierto sobre diferentes cuestiones que le interesan desde diversos ángulos. “Ídolo de Tara” parte del ídolo aborigen canario que ha desvirtuado convirtiéndolo en un elemento de merchandising compuesto con plástico que encuentra en la orilla del mar.

EST_ART SPACE en Madrid

Est_Art Space forma parte del Espacio Multipropuestas Granja4 que nace bajo el prisma de un nuevo concepto de vivir, experimentar, innovar, compartir y promover el Arte.

Ubicado en una nave estratégicamente situada en la zona norte del extrarradio de Madrid, contamos con más de 1.500m2 donde los autores presentan sus obras y el público descubre. Creando esa sinergia en la que el arte alimenta a la gente y la gente alimenta al arte. Generando una “normalización del Arte”, donde lo habitual sea que cualquier disciplina forme parte de nuestra cotidianeidad como algo cercano y asequible.

Est Art nos porpone el proyecto fotográfico de las artistas MasauR & Soledad Pulgar: ONENESS PRESERVE. En este proyecto la fotografía se presenta en el interior de un tarro. Cada tarro contiene 4 fotografías.

En ellas la identidad de las dos autoras se enfrenta, se encadena o se funde y cohabita dentro de cada pieza. Agrupadas de 4 en 4 se presentan al espectador en un contenedor de obra inusitado como metáfora de lo que sería “conservar” esa nueva identidad común.

Tino García con su obra “Tránsito”. Fotógrafo intimista que despliega ante la mirada del observador su particular visión de los espacios e incluso de sí mismo, reinventándose a través de la experimentación, el collage y la reflexión. Logra posicionar el discurso de la imagen por encima de los artificios técnicos, demostrando que no es el medio sino el autor, quien aporta la profundidad a la argumentación de la obra.

Y de Mercedes Andreu, “Pero qué bicho te ha picado” A través de sus serigrafías descubrimos un concepto muy serio de tomarse a broma la vida, de reflexionar combinando una sonrisa y la acidez más absoluta.

Logra enfrentarnos a la realidad gracias a su tremenda capacidad artística fusionando la técnica, el ingenio y la ironía. “Siempre me ha divertido jugar con los conceptos, las imágenes y las palabras, darle una vuelta de tuerca un tanto irónica a lo que se me pone delante”.

FIFTY DOTS en Barcelona

Fifty Dots es una galería de arte ubicada en Barcelona especializada en la fotografía contemporánea, con un espacio dedicado a exposición y venta de ediciones limitadas y certificadas de artistas nacionales e internacionales.

Como recomendación nos traen a Dani García Sarabia con “Oro Negro”. En la obra de Dani García Sarabia descubrimos a un fotógrafo que busca en el paisaje más puro, la esencia primitiva que nos ofrece el hábitat natural. Las imágenes que capta con su mirada de artista aparecen llenas de contradicciones.

Es por ello que podemos decir, sin temor a equivocarnos, que las escenas retratadas bajo su particular y especial perspectiva a menudo encierran una sutil ironía o doble sentido que inspiran distintas reflexiones e interpretaciones.

“Oro Negro” declara la constante lucha entre la riqueza natural y el florecimiento de la economía en un país como Andorra es fácilmente reconocible, aunque más del 80% del territorio es considerado parque natural, éste tiene que convivir con el 20% restante y un flujo elevado de turistas que cada año va incrementando.

La necesidad de nuevas infraestructuras y edificios hacen peligrar continuamente este precario equilibrio.

Irene Cruz y su obra Gypsophila I. Fotógrafa y video-artista. Actualmente vive y trabaja en Berlín. Especializándose en Fotografía conceptual y creación artística. La luz es sin duda una parte muy importante y característica de su trabajo, es lo que la ha llevado a explorar y experimentar especialmente los países del norte de Europa. Su obra nos habla acerca del misterio, la privacidad, la integración en el paisaje.

En Gypsophila I Irene Cruz penetra en la idea de la identidad personal. ¿Quién se pertenece en realidad? Nos invita a mirar desde la hondura, desde el borde a frases mudas que traduce con sus musas, las siluetas conocidas.

Las autoras de una brisa inspiradora convertidas en amigas. Todas ellas confeccionan la tertulia y se marcan el precepto de convertirse en la misma delicada identidad.

Es el nombre dado a todas, flor de piel en carne viva que bien viste, y sus flores favoritas reposan en el umbral que apenas les delimitan ese cuerpo terrenal del paisaje de neblinas azuladas y colores de horas raras de eterno bosque otoñal.

César Ordoñez con “Ashimoto”. Fotógrafo y vídeo-artista, desarrolla su actividad principalmente entre Barcelona (su ciudad natal) y Tokio (su ciudad laboratorio).

Utiliza el lenguaje visual y su universalidad, como herramienta para reflexionar sobre el mundo actual, la belleza de la existencia y su fragilidad. Explorando cómo nuestros pensamientos y actitudes influyen en nuestro entorno, y en el devenir de las sociedades en las que vivimos, y viceversa.

Con un estilo vital, íntimo y a menudo introspectivo, sus obras transitan entre lo real y lo metafórico, entre lo vivido y lo soñado.

Con “Ashimoto” el fotógrafo César Ordóñez nos propone un acercamiento a la realidad japonesa a partir del término ashimoto, que podríamos traducir como la parte de un pie de una mujer que se intuye a través del pliegue de un kimono. Pero de hecho Ashimoto es un concepto polisémico que también puede hacer referencia al pie, o a una parte del pie.

De la misma manera, las imágenes que nos muestra este artista tienen muchas connotaciones: insinúan mas de lo que muestran, y muestran justo lo que necesitamos para hacernos una idea de donde vienen y hacia donde van los sujetos fotografiados.

LUISA PITA en Santiago de Compostela

El nuevo proyecto de la Galería de Arte Luisa Pita, nace como una continuidad de la actividad que la Galería Bus Station Space. Enfocado ahora desde la experiencia adquirida como un proyecto cultural más ambicioso, con un significado propio y más personal, en un nuevo espacio expositivo y como punto de encuentro para el arte entre artistas de reconocido prestigio y otros emergentes.

Desde la galería nos proponen para estas fechas a tres artistas. María Ortega Estepa, con su obra “La Búsqueda” María Ortega Estepa invita al espectador a penetrar en su espacio interior desde el autoconocimiento como punto de partida, con un marco de juego acumulativo de señales, rastros y espacios que traspasan hacia un lugar lejano e íntimo.

“Esta tarde me he quedado dormida en el bosque. Soñé que un lucero muy hermoso se posaba y lo inundaba todo de una luz resplandeciente. Entonces, todo el bosque se fue quedando quieto y se hizo un silencio tan hondo que sentía los latidos de mi propio corazón y el correr desbocado de mi sangre”

Sandra Carvalho. “El instrumento de la sombra”. Su obra es un tributo a la plástica desde la sencillez y la modestia de los materiales empleados, trabaja con el tiempo y la fugacidad en una muestra que ocupa el espacio.

Siendo el grabado su especialidad, plantea esta exposición a través del dibujo con un cuidado exquisito en la selección de los elementos utilizados; el papel y las tintas son el soporte de la obra y la naturaleza su hilo conductor.

Papeles plegados y antiguos, procedentes de hemerotecas, libros, diarios o libretas, que son la huella visible de otros momentos y que recogen testimonio de otras épocas.

María José Gallardo, “El Coco”. Artista que crea con su peculiar y propio lenguaje plástico, rico en motivos religiosos, heráldicos, emblemas y símbolos, una obra que va más allá de lo que es el concepto plástico o estético que se pueda calificar como correcto o amable.

Así este particular universo, influenciado por la historia del arte, la música o el cómic, construido con su vocabulario propio, se abre a otras lecturas más allá del título explícito de cada obra.

En su obra “El Coco” aborda los miedos a través de la figura del ” coco” utilizada en los cuentos infantiles, la propia forma del coco la dibuja con similitud a una calavera porque nada se le teme más que a la muerte.

El universo de los artistas es un viaje infinito al conocimiento humano, cada obra es una reflexión que amplía la mirada y concepción del mundo. En ésta selección vemos obras y artistas de variados enfoques, y todas están disponibles para formar parte de nuestro día a día.

Sus precios oscilan entre los 60 y los 1500€, todas oportunidades de regalo perfecto adaptados a varios presupuestos.

Si estás interesado en saber más no dudes en ponerte en contacto con las galerías, preguntar y visitar sus espacios, el arte es de todos y nunca estuvo más al alcance de cada uno de nosotros.

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